vignette|redresse=1.5|L'exposition permanente Mémorial aborigène de la Galerie nationale d'Australie, se compose de , créés par ... L'art aborigène australien contemporain désigne la production artistique produites par les Autochtones d'Australie, c'est-à-dire les Aborigènes d'Australie et les Insulaires du détroit de Torrès. On considère généralement que ce mouvement a débuté en 1971 avec le mouvement Papunya Tula, apparu à Papunya, au nord-ouest d'Alice Springs, dans le Territoire du Nord. Ce mouvement, auquel ont participé des artistes aborigènes tels que Clifford Possum Tjapaltjarri et , a été encouragé par , enseignant et travailleur social artistique australien blanc. Il a suscité un intérêt généralisé pour la création artistique dans les zones rurales et reculées de l'Australie aborigène, tandis qu'un art indigène contemporain d'une nature différente a également vu le jour dans les centres urbains ; ensemble, ils sont devenus des éléments centraux de l'art en Australie.

Les ont favorisé l'émergence de ce mouvement d'art contemporain et, en 2010, on estimait qu'ils représentaient plus de , principalement dans le nord et l'ouest de l'Australie.

Les artistes autochtones contemporains ont remporté de nombreux prix artistiques parmi les plus prestigieux d'Australie, comme le prix Wynne, le prix Blake d'art religieux et le . Il existe un prix national d'art pour les artistes autochtones : le prix national d'Art des Aborigènes et des Insulaires du détroit de Torres depuis 1984.

Des artistes autochtones, dont , ont représenté l'Australie à la Biennale de Venise en 1990 et 1997. En 2007, une toile d'Emily Kame Kngwarreye, , est devenue la première œuvre d'art autochtone australienne à se vendre à plus d'un million de dollars australiens. Des artistes autochtones de renom ont bénéficié d'expositions individuelles dans des galeries australiennes et internationales, et leurs œuvres ont été intégrées à d'importantes collaborations, comme la conception du Musée du Quai Branly. Des œuvres d'artistes autochtones contemporains figurent dans toutes les grandes galeries publiques australiennes, notamment la Galerie nationale d'Australie, qui a inauguré en 2010 une nouvelle aile consacrée à sa collection d'art autochtone.

La « peinture à points » figurative pratiquée par les artistes du désert occidental figure parmi les styles les plus connus de l'art aborigène contemporain.

Origines et évolution Selon le musée national du Victoria, l'art aborigène australien peut se targuer d'être « la plus longue tradition artistique continue au monde ».. Avant la colonisation européenne de l'Australie, les peuples autochtones pratiquaient de nombreuses formes d'art, notamment la sculpture, la taille du bois et de la roche, la peinture corporelle, la peinture sur écorce et le tissage. Nombre de ces techniques sont encore utilisées aujourd'hui, tant à des fins traditionnelles que pour la création d'œuvres d'art destinées à l'exposition et à la vente. D'autres techniques ont décliné ou disparu depuis la colonisation européenne, comme la décoration corporelle par scarification et la confection de grande cape à peau de phalanger. Cependant, les Aborigènes d'Australie ont également adopté et développé de nouvelles techniques, notamment la peinture sur papier et sur toile.. Parmi les premiers exemples, on peut citer les dessins de William Barak, datant de la fin du .

Premières initiatives vignette|Albert Namatjira (à droite), avec le portraitiste . Dans les années 1930, les artistes et John Gardner initient Albert Namatjira, un Aborigène de la mission d'Hermannsburg, au sud-ouest d'Alice Springs, à la peinture à l'aquarelle. Ses paysages, créés pour la première fois en 1936 et exposés dans des villes australiennes en 1938, connaissent un succès immédiat, faisant de lui le premier aquarelliste aborigène australien, ainsi que le premier à exposer et vendre avec succès ses œuvres à un public non aborigène J. V. S. Megaw et M. Ruth Megaw, « Painting country: The Arrernte watercolour artists of Hermannsburg », dans : .. Le style de Namatjira est adopté par d'autres artistes aborigènes de la région, à commencer par ses proches parents masculins, et ils deviennent connus sous le nom d'École d'Hermannsburg ou d'Aquarellistes Arrernte J. V. S. Megaw et M. Ruth Megaw, « Painting country: The Arrernte watercolour artists of Hermannsburg », dans : ..

Namatjira meurt en 1959, et une seconde initiative voit déjà le jour. L'utilisation de peinture acrylique aux couleurs vives pour la création d'affiche et de carte postale est introduite à Ernabella, aujourd'hui , un village d'Australie-Méridionale). Cela mène plus tard à la création de motifs sur tissu et au batik, toujours pratiqués au sein du plus ancien centre d'art autochtone d'Australie..

Papunya Tula

Si les initiatives menées à Hermannsburg et Ernabella ont constitué des précurseurs importants, la plupart des sources font remonter les origines de l'art aborigène contemporain, en particulier la peinture acrylique, à Papunya, dans le Territoire du Nord, en 1971 John Kean, « Papunya, place and time », dans : . Vivien Johnson, « Desert Art », dans : .. , un enseignant australien, arrive cette année-là à Papunya et lance un programme artistique avec les enfants de l'école, puis avec les hommes de la communauté. Les hommes commencent par peindre une fresque sur les murs de l'école, puis continuent à peindre sur des panneaux et des toiles. Au même moment, , un membre de la communauté qui travaille avec Bardon, remporte un prix artistique régional à Alice Springs avec son tableau . Rapidement, une vingtaine d'hommes de Papunya se mettent à peindre et créent leur propre société, Papunya Tula Artists Limited, afin de soutenir la création et la commercialisation de leurs œuvres. Bien que la peinture s'impose rapidement à Papunya, elle reste un « phénomène régional à petite échelle » tout au long des années 1970 John Kean, « Papunya, place and time », dans : ., et pendant une décennie, aucune des galeries d'État ni la galerie nationale ne collectionnent ces œuvres, à l'exception notable du musée et galerie d'art du Territoire du Nord, qui acquiert 226 des premières planches de Papunya..

Accélération à partir des années 1980 Après s'être principalement concentré à Papunya dans les années 1970, le mouvement pictural se développe rapidement dans les années 1980., s'étendant à Yuendumu, Lajamanu, et dans le Territoire du Nord, ainsi qu'à Balgo, en Australie-Occidentale. Dans les années 1990, l'activité artistique se propage à de nombreuses communautés du nord de l'Australie, notamment celles établies dans le cadre du , comme , et la , en Australie-Occidentale. À mesure que le mouvement évolue, tous les artistes ne sont pas satisfaits de la direction qu'il prend. Ce qui a commencé comme une expression contemporaine du savoir rituel et de l'identité se marchandise de plus en plus, le succès économique de la peinture engendrant des tensions au sein des communautés. Certains artistes critiquent le personnel des centres d'art et se détournent de la peinture pour se recentrer sur le rituel. D'autres artistes produisent des œuvres moins liées aux réseaux sociaux qui, traditionnellement, en sont à l'origine. Cependant, alors que le mouvement évolue, sa croissance ne ralentit pas : au moins 10 autres communautés de peintres se développent dans le centre de l'Australie entre la fin des années 1990 et 2006.

Les jouent un rôle central dans l'émergence de l'art autochtone contemporain. Alors que de nombreux artistes occidentaux suivent une formation académique et travaillent individuellement, la plupart des œuvres d'art autochtones contemporaines sont créées au sein de groupes communautaires et de centres d'art Felicity Wright et Frances Morphy, The Art & Craft Centre Story, Canberra, ATSIC (3 vols, 1999–2000).. Le nombre de personnes impliquées et la taille réduite des lieux de travail font que, parfois, un quart à la moitié des membres de la communauté sont des artistes. En 2007, le critique en conclut que ces communautés présentent « les plus fortes concentrations d'artistes par habitant au monde »..

En 2025, l'organisme de référence représentant les centres d'art autochtone du désert australien central, Desart (constitué en 1993), compte 39 centres membres.. Il organise chaque année l'exposition et l'événement au de Mparntwe (Alice Springs)..

L'Association des artistes aborigènes du Nord, du Kimberley et d'Arnhem (Association of Northern, Kimberley and Arnhem Aboriginal Artists : ANKAAA ; maintenant Arnhem, Northern and Kimberley Artists, ou ANKA), principal organisme représentant les communautés du nord de l'Australie, compte presque 50 centres membres en 2025. Les centres représentent un grand nombre d'artistes : l'ANKAAA estime qu'ils en comptent jusqu'à 5000 cette année-là..

L'Association australienne des arts aborigènes (Aboriginal Art Association of Australia, AAAA), constituée en , défend les intérêts de tous les acteurs du secteur, notamment les artistes, les galeries et les marchands. Elle exerce des activités de lobbying et informe les gouvernements au nom de ses membres sur divers sujets..

Styles et thèmes

L'art autochtone reflète fréquemment les traditions spirituelles, les pratiques culturelles et le contexte sociopolitique des peuples autochtones, et ces éléments varient à travers le pays. Les œuvres d'art diffèrent donc considérablement d'un endroit à l'autre. Les principaux ouvrages de référence sur l'art autochtone australien abordent souvent les œuvres par région géographique. On distingue généralement l'art du désert d'Australie centrale ; celui de la région de Kimberley en Australie-Occidentale ; celui des régions septentrionales du Territoire du Nord, en particulier la Terre d'Arnhem, souvent appelée le Top End ; et l'Extrême-Nord du Queensland, y compris les îles du détroit de Torrès. L'art urbain est également généralement considéré comme un style distinct d'art autochtone, bien que sa définition géographique ne soit pas clairement établie.

Art du désert Les artistes autochtones des régions reculées du centre de l'Australie, en particulier des déserts du centre et de l'ouest, peignent fréquemment des « rêves » ou récits particuliers, dont ils portent la responsabilité ou les droits. Parmi eux figurent les œuvres les plus connues des peintres de Papunya Tula et de l'artiste d'Utopia, Emily Kame Kngwarreye. Les motifs représentés par les artistes du centre de l'Australie, comme ceux de Papunya, sont issus de la transposition de motifs traditionnels tracés dans le sable, sur des planches ou gravés dans la roche. Les symboles utilisés dans ces motifs peuvent représenter un lieu, un mouvement, des personnes ou des animaux, tandis que les champs de points peuvent évoquer divers phénomènes tels que des étincelles, des nuages ou la pluie.

À la fin des années 1980 et au début des années 1990, l'œuvre de Kngwarreye, originaire de la communauté d'Utopia, au nord-est d'Alice Springs, connaît un grand succès. Son style, renouvelé chaque année, est perçu comme un mélange d'art aborigène traditionnel et d'art australien contemporain. Sa popularité croissante préfigure celle de nombreux artistes autochtones du centre, du nord et de l'ouest de l'Australie, tels que sa nièce Kathleen Petyarre, , Minnie Pwerle, , Lena Pwerle et des dizaines d'autres, dont les œuvres sont aujourd'hui très recherchées..

Il existe certaines approches figuratives dans l'art des peuples du centre de l'Australie, comme chez certains peintres de Balgo (Australie-Occidentale). Certains artistes du centre de l'Australie, dont les populations ont été déplacées de leurs terres au milieu du par des essais d'armes nucléaires, ont peint des œuvres qui utilisent des techniques de peinture traditionnelles mais qui représentent également les effets des explosions sur leur pays.

Terres d'Anangu Pitjantjatjara Yankunytjatjara