vignette|Fra Filippo Lippi, L'Adoration dans la forêt, vers 1459.
L'école florentine est une des écoles italiennes de peinture qui se développe du à Florence en Toscane. Elle fait référence aux artistes de style naturaliste (ou influencés par ce style) qui s'est développé à Florence au , en grande partie grâce aux efforts de Giotto di Bondone, figure emblématique de la naissance de ce courant de renouveau artistique à Florence, et qui constitua au Quattrocento ( italien) la principale école de peinture occidentale. On lui attribue traditionnellement les principes mêmes de la Renaissance italienne, rompant avec le goût byzantin régnant dans toute l'Europe. Certains des peintres les plus connus de l'école florentine antérieure sont Fra Angelico, Sandro Botticelli, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Masolino da Panicale et Masaccio.
Localement l'école florentine se développe distinctement de l'art pictural de l'école siennoise et de son goût raffiné pour la couleur, hérité de Byzance, et de son souci d’assimiler des modes d’expression gothiques de la plus pure tradition byzantine. Les Médicis, marchands et mécènes de la cité, protègent et subventionnent les artistes florentins.
Florence est aussi le berceau de la Haute Renaissance, mais au début du Cinquecento ( italien) les artistes les plus importants, dont Michel-Ange et Raphaël, sont attirés à Rome, où se trouvent alors les plus importants commanditaires, y suivant parfois les Médicis, dont certains deviennent cardinaux et même papes.
L'école florentine par son foisonnement agira par de nombreuses découvertes dans les techniques picturales (en marqueterie par exemple). Elle partira en décadence vers le : à l'époque baroque, les nombreux peintres travaillant à Florence sont rarement des figures majeures de la peinture.
Bien que Giorgio Vasari place à Florence l'origine de la Renaissance artistique italienne, les historiens de l'art comme Roberto Longhi, considèrent que plusieurs des capitales italiennes, comme Bologne, Ferrare, Urbino, Venise, Milan, Bari, Pérouse, Padoue, Naples, Palerme et Ravenne, ont contribué, ensemble (par leurs échanges nombreux) au renouveau artistique de cette période.
Avant 1400 et gothique tardif vignette|Plafond en mosaïque du baptistère Saint-Jean de Florence, datant d'environ 1225. L'art toscan distinctif le plus ancien, produit au à Pise et à Lucques, constitue la base du développement ultérieur. Nicola Pisano montre son goût pour les formes classiques, tout comme son fils, Giovanni Pisano, qui porte les nouvelles idées de la sculpture gothique dans la langue vernaculaire toscane, formant des figures d'un naturalisme sans précédent qui trouvent un écho dans le travail des peintres pisans aux , notamment dans celui de Giunta Pisano, qui à son tour influence des grands peintres comme Cimabue, et à travers lui, Giotto et les artistes florentins du début du .
Le plus ancien projet pictural florentin à grande échelle existant est la décoration en mosaïque de l'intérieur du dôme du Baptistère Saint-Jean de Florence, qui commence vers 1225. Bien que des artistes vénitiens soient impliqués dans le projet, les artistes toscans créent des scènes expressives et vivantes, montrant un contenu émotionnel, contrairement à la tradition byzantine dominante. Coppo di Marcovaldo serait responsable de la figure centrale du Christ et est le premier artiste florentin impliqué dans le projet. Comme les panneaux de la Vierge à l'Enfant peints pour les églises de l'ordre des Servites de Marie de Sienne et d'Orvieto, parfois attribués à Coppo, la figure du Christ a le sens du volume.
Des travaux similaires sont commandés pour la basilique Santa Maria Novella, la basilique Santa Trinita et l'église Ognissanti à la fin du . Le panneau de Duccio di Buoninsegna d'environ 1285, Vierge à l'Enfant intronisé et six anges ou Madone Rucellai, pour Santa Maria Novella, maintenant au musée des Offices, montre un développement de l'espace et de la forme naturalistes, et n'a peut-être pas été conçu à l'origine comme un retable. Des panneaux de la Vierge sont utilisés au sommet des jubés, comme à la basilique Saint-François d'Assise pour le panneau dans la fresque de la Vérification des Stigmates dans le cycle des fresques de la Vie de saint François de Giotto. La Maestà di Santa Trinita de Cimabue et la Madone Rucellai de Duccio conservent cependant le stylisme antérieur consistant à montrer la lumière sur la draperie sous la forme d'un faisceau de lignes. vignette|Fresque de Giotto, Le Deuil de saint François dans la chapelle Bardi de Santa Croce .
Le sens de la lumière de Giotto aurait été influencé par les fresques qu'il avait vues alors qu'il travaillait à Rome, et dans ses peintures murales narratives, en particulier celles commandées par la famille Bardi, ses personnages sont placés dans un espace naturaliste et possèdent une dimension et une expression dramatique. Une approche similaire de la lumière est utilisée par ses contemporains tels que Bernardo Daddi, leur attention au naturalisme est encouragée par les sujets commandés pour les églises franciscaines et dominicaines du , et devait influencer les peintres florentins des siècles suivants. Alors que certaines sont des compositions traditionnelles telles que celles traitant du fondateur de l'ordre et des premiers saints, d'autres, telles que des scènes d'événements, de personnes et de lieux récents, n'ont aucun précédent, permettant l'invention.
Le est témoin d'une augmentation de la demande de peintures religieuses sur panneaux, en particulier de retables : bien que la raison en soit obscure, les peintres et menuisiers toscans du début du créent des retables qui sont des pièces plus élaborées à plusieurs panneaux avec un encadrement complexe. Les contrats de l'époque notent que les clients ont souvent une forme de boiserie en tête lors de la commande et discutent avec les artistes des figures religieuses à représenter. Le contenu des scènes narratives des panneaux de prédelle est cependant rarement mentionné dans les contrats et peut avoir été laissé aux artistes concernés. Les églises florentines chargent de nombreux artistes siennois de créer des retables, comme Ugolino di Nerio, à qui on demande de peindre une œuvre à grande échelle pour l'autel de la basilique Santa Croce de Florence, qui pourrait avoir été le premier polyptyque sur un autel florentin. Les corporations d'arts et métiers médiévales de Florence, conscientes de l'impulsion apportée par l'artisanat extérieur, facilitent le travail des artistes originaires d'autres régions. Les sculpteurs ont leur propre corporation qui a un statut mineur et, en 1316, les peintres sont membres de l'influent Arte dei Medici e Speziali. Les corporations elles-mêmes deviennent d'importants mécènes et à partir du début du , de grandes corporations supervisent l'entretien et l'amélioration des édifices religieux ; ainsi, toutes les corporations ont participé à la restauration de l'église d'Orsanmichele.
Le naturalisme développé par les premiers artistes florentins s'estompe au cours du troisième quart du , probablement à la suite de la peste noire. Des commandes importantes, comme le retable de la famille Strozzi (datant d'environ 1354-57) à Santa Maria Novella, sont confiées à Andrea Orcagna, dont l'œuvre, et celle de ses frères, sont plus emblématiques dans leur traitement des personnages avec un sens plus précoce de l'espace comprimé.
Principaux protagonistes Peintres Andrea di Bonaiuto ou Andrea Bonaiuti ou Andrea da Florence Lippo di Benivieni (Florence, seconde moitié du – ) Bonaventura Berlinghieri, peintre du Cimabue Coppo di Marcovaldo (Florence, ~1225 - ~1276) Bernardo Daddi Agnolo Gaddi (1350-1396) Gaddo Gaddi (1260-1332), peintre et mosaïste Giovanni Gaddi (après 1333-1383) Taddeo Gaddi (1259 -1366), peintre et mosaïste Lorenzo di Niccolò Gerini Niccolò di Pietro Gerini (1368-Florence, 1415), peintre de l'école de Giotto Giottino Giovanni del Biondo () Jacopo di Cione Lorenzo di Bicci Maestro del Bigallo (), peintre anonyme Maestro del San Francesco Bardi (), peintre anonyme Maestro di Signa (), peintre anonyme Maître du Codex de saint Georges () Meliore di Jacopo dit Meliore () Nardo di Cione, peintre et architecte Francesco di Stefano Pesellino dit Il Pesellino (Florence, entre 1422 et 1457), peintre et miniaturiste Spinello Aretino Gherardo Starnina Stefano Veneziano, signe en 1369 et 1381, plebanus (paroissien) de l'Église Sant'Agnese
Architectes Alberto Arnoldi (), sculpteur et architecte Pietro di Giovanni d'Ambrogio (), sculpteur et architecte Giovanni di Lapo Ghini () Nardo di Cione, peintre et architecte Benci di Cione Dami (v. 1310-1388), architecte et peintre Neri di Fioravante () Fra' Ristoro da Campi (? -1284), frère dominicain Francesco Talenti (~1300-Florence, 1369), sculpteur et architecte
Sculpteurs Alberto Arnoldi (), sculpteur et architecte Pietro di Giovanni d'Ambrogio (), sculpteur et architecte Nanni di Bartolo dit il Rosso () Francesco Talenti (~1300-Florence, 1369), sculpteur et architecte
Enlumineur Maria Ormani, enlumineuse du
Polymathes Andrea Orcagna
Première Renaissance vignette|Lorenzo Ghiberti, Porte du Paradis, 1425-52. Florence continue d'être le centre le plus important de la peinture italienne de la Renaissance. Les premières images véritablement de la Renaissance à Florence datent de 1401, la première année du siècle connu en italien sous le nom de Quattrocento, synonyme de Première Renaissance ; cependant, ce ne sont pas des peintures. À cette date, un concours est organisé pour trouver un artiste pour créer une paire de portes en bronze pour le baptistère Saint-Jean, la plus ancienne église de la ville. Le baptistère est un grand édifice octogonal d'architecture romane. L'intérieur de son dôme est décoré d'une énorme figure en mosaïque du Christ pantocrator qui aurait été conçue par Coppo di Marcovaldo. Il possède trois grands portails, celui du centre étant alors occupé par un ensemble de portes créé par Andrea Pisano quatre-vingts ans plus tôt.
Les portes de Pisano étaient divisées en 28 compartiments quatre-feuilles, contenant des scènes narratives de la Vie de Jean-Baptiste. Les concurrents, au nombre de sept jeunes artistes, doivent chacun concevoir un panneau de bronze de forme et de taille similaires, représentant Le Sacrifice d'Isaac. Deux des panneaux ont survécu, celui de Lorenzo Ghiberti et celui de Filippo Brunelleschi. Chaque panneau présente des motifs fortement classicisants indiquant la direction dans laquelle l'art et la philosophie se dirigent à cette époque. Ghiberti utilise la figure nue d'Isaac pour créer une petite sculpture de style classique : Isaac s'agenouille sur une tombe ornée de volutes d'acanthe qui sont aussi une référence à l'art de la Rome antique. Dans le panneau de Brunelleschi, l'une des figures incluses dans la scène rappelle une figure romaine bien connue en bronze d'un garçon tirant une épine de son pied. La création de Brunelleschi interpelle par son intensité dynamique. Moins élégant que celui de Ghiberti, elle figure plus un drame humain et une tragédie imminenteR.E. Wolf and R. Millen, Renaissance and Mannerist Art (1968)..
Ghiberti remporte le concours. Son premier ensemble de portes de baptistère dure 27 ans, après quoi il est chargé d'en faire un autre. Au cours des 50 années au cours desquelles Ghiberti travaille dessus, les portes fournissent un « terrain d'entraînement » à de nombreux artistes florentins. Étant narratif dans le sujet et employant non seulement l'habileté à organiser des compositions figuratives, mais aussi l'habileté naissante de la perspective linéaire, les portes devaient avoir une énorme influence sur le développement de l'art pictural florentin. Elles sont un facteur fédérateur, une source de fierté et de camaraderie tant pour la ville que pour ses artistes. Michel-Ange devait les appeler les Portes du Paradis.