La musica classica del XX secolo descrive la musica colta scritta teoricamente dal 1901 al 2000. Questo secolo non aveva uno stile dominante e i compositori hanno creato generi musicali molto diversi. Modernismo, impressionismo e post-romanticismo possono essere fatti risalire a decenni prima dell'inizio del secolo, ma possono essere inclusi perché si sono evoluti oltre i confini musicali degli stili ottocenteschi che facevano parte del precedente periodo di pratica comune. Il neoclassicismo e l'espressionismo arrivarono per lo più dopo il 1900. Il minimalismo iniziò molto più tardi nel secolo e può essere visto come un cambiamento dall'era moderna a quella postmoderna, anche se alcuni datano il postmodernismo a partire dal 1930 circa. Atonalità, serialismo, musica concreta e musica elettronica sono stati tutti sviluppati durante questo secolo. Il jazz e la musica folk hanno influenzato in modo importante molti compositori in questo periodo.

Storia All'inizio del secolo, la musica era tipicamente in stile tardo romantico. Compositori come Gustav Mahler, Richard Strauss e Jean Sibelius stavano spingendo i limiti della scrittura sinfonica post-romantica. Allo stesso tempo il movimento impressionista, si stava sviluppando in Francia. Claude Debussy, considerato uno dei maggiori impressionisti, detestava il termine Impressionismo: "Sto cercando di fare 'qualcosa di diverso - in un certo senso la realtà - ciò che gli imbecilli chiamano 'impressionismo' è un termine che viene usato il meno possibile, in particolare dai critici d'arte".. Anche la musica di Maurice Ravel, spesso etichettata come impressionista, esplora la musica in molti stili non sempre correlati (vedi la discussione sul Neoclassicismo, sotto).

Molti compositori reagirono allo stile post-romantico e impressionista e si mossero in direzioni molto diverse. Il singolo momento più importante per definire il corso della musica per tutto il secolo fu la rottura diffusa con la tonalità tradizionale, effettuata in modi diversi da diversi compositori nel primo decennio del secolo. Da ciò scaturì una "pluralità linguistica" senza precedenti di stili, tecniche ed espressioni.. A Vienna Arnold Schönberg sviluppò l'atonalità, fuori dall'espressionismo sorto nella prima parte del XX secolo. In seguito sviluppò la tecnica dodecafonica, sviluppata ulteriormente dai suoi discepoli Alban Berg e Anton Webern; più tardi altri compositori (tra cui Pierre Boulez) la svilupparono ulteriormente.. Anche Igor Stravinskij, a partire dal 1951, esplorò la tecnica dodecafonica, per poi adottarla definitivamente come fecero molti altri compositori; persino Scott Bradley usò questa tecnica nelle sue partiture per i cartoni di Tom & Jerry..

Dopo la prima guerra mondiale molti compositori iniziarono a tornare al passato per trovare ispirazione e scrissero opere che attingono i diversi elementi (forma, armonia, melodia, struttura) da esso. Questo tipo di musica divenne così etichettato neoclassicismo. Igor Stravinskij (Pulcinella), Sergej Prokof'ev (Sinfonia classica), Maurice Ravel (Le tombeau de Couperin), Manuel de Falla (El retablo de maese Pedro) e Paul Hindemith (Sinfonia: Mathis der Maler) hanno scritto tutti opere neoclassiche.

Compositori italiani come Francesco Balilla Pratella e Luigi Russolo svilupparono il Futurismo musicale. Questo stile cercava spesso di ricreare i suoni di tutti i giorni e di inserirli in un contesto "futurista". La "Machine Music" di George Antheil (a partire dalla sua seconda Sonata, "The Airplane") e Alexander Mosolov (molto conosciuta la sua Iron Foundry) si svilupparono da questo. Il processo di estensione del vocabolario musicale esplorando tutti i toni disponibili fu ulteriormente spinto dall'uso di Microtoni nelle opere di Charles Ives, Julián Carrillo, Alois Hába, John Foulds, Ivan Aleksandrovič Vyšnegradskij, Harry Partch e Mildred Couper, oltre a molti altri. I microtoni sono quegli intervalli che sono più piccoli di un semitono; le voci umane e gli strumenti a corda senza tasti possono facilmente produrle andando tra le note "normali", ma altri strumenti avranno più difficoltà - il pianoforte e l'organo non hanno modo di produrli affatto, se non con una riaccordatura e/o una totale ricostruzione.

Alcuni compositori degli anni '40 e '50, in particolare Pierre Schaeffer, iniziarono ad esplorare l'applicazione della tecnologia alla musica con la musica concreta.. Il termine musica elettroacustica fu successivamente coniato per includere tutte le forme di musica che coinvolgono nastro magnetico, computer, sintetizzatori, multimedia e altri dispositivi elettronici e tecniche. La musica elettronica dal vivo utilizza suoni elettronici dal vivo all'interno di una esecuzione (al contrario dei suoni preelaborati che vengono sovraincisi durante una esecuzione), la Cartridge Music di Cage è un primo esempio. La musica spettrale (Gérard Grisey e Tristan Murail) è un ulteriore sviluppo della musica elettroacustica che utilizza l'analisi degli spettri sonori per creare musica... Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt, Luigi Nono e Edgard Varèse hanno scritto musica elettroacustica.

Dai primi anni '50 in poi, Cage introdusse elementi di casualità nella sua musica. La "Process music" (Prozession, Aus den sieben Tagen di Karlheinz Stockhausen e Piano Phase, Clapping Music di Steve Reich) esplora un particolare processo che è essenzialmente messo a nudo nell'opera. Il termine musica sperimentale fu coniato da Cage per descrivere opere che producono risultati imprevedibili,. secondo la definizione "un'azione sperimentale è quella le cui conseguenze non sono prevedibili".. Il termine è anche usato per descrivere la musica all'interno di specifici generi che si spingono contro i loro confini o definizioni, oppure il cui approccio è un ibrido di stili disparati, o incorpora ingredienti non ortodossi, nuovi e distintamente unici.

Importanti tendenze culturali hanno spesso influenzato la musica di questo periodo, romantica, modernista, neoclassica, postmoderna o altro. Igor Stravinskij e Sergei Prokof'ev erano particolarmente attratti dal primitivismo nelle loro carriere iniziali; in opere come La sagra della primavera o Le chout di Prokof'ev l'ispirazione russa di melodie tradizionali è marcata. Altri russi, in particolare Dmitri Shostakovich, riflettevano l'impatto sociale del comunismo e successivamente dovettero lavorare nei limiti delle restrizioni alla loro musica del realismo socialista.. Altri compositori, come Benjamin Britten (War Requiem), esplorarono temi politici nelle loro opere, anche se interamente di loro volontà.. Anche il nazionalismo fu un importante mezzo di espressione nella prima parte del secolo. La cultura degli Stati Uniti d'America, in particolare, iniziò ad influenzare uno stile locale americano della musica classica, in particolare nelle opere di Charles Ives, John Alden Carpenter e (successivamente) George Gershwin. Anche la musica folk (Five Variants of Dives and Lazarus di Vaughan Williams, A Somerset Rhapsody di Gustav Holst) e il Jazz (Gershwin, Leonard Bernstein, La création du monde di Darius Milhaud) furono importanti.

Nell'ultimo quarto del secolo l'eclettismo e il polistilismo divennero importanti, così come il minimalismo, la nuova complessità e la nuova semplicità, che meriterebbero di essere dettagliati in modo più esauriente in loro articoli specifici.

Stili Stile romantico

Alla fine del XIX secolo (spesso chiamato Fin de siècle), lo stile romantico stava iniziando a sfaldarsi, muovendosi lungo vari percorsi paralleli, come l'impressionismo e il postromanticismo. Nel XX secolo i diversi stili emersi dalla musica del secolo precedente influenzarono i compositori a seguire le nuove tendenze, a volte come reazione a quella musica, a volte come un'estensione della stessa ed entrambe le tendenze coesistettero bene nel XX secolo. Le tendenze precedenti, come l'espressionismo, sono discusse più tardi.

Nella prima parte del XX secolo molti compositori scrissero musica che fu un'estensione della musica romantica del XIX secolo e i tradizionali gruppi strumentali come l'orchestra e il quartetto d'archi rimasero i più tipici. Le forme tradizionali come la sinfonia e il concerto rimasero in uso. Gustav Mahler e Jean Sibelius sono esempi di compositori che hanno preso le forme sinfoniche tradizionali e le hanno rielaborate. (Vedi Musica romantica.) Alcuni scrittori sostengono che l'opera di Schoenberg è esattamente nella tradizione tardo-romantica di Wagner e Brahms. e, più in generale, che "il compositore che più direttamente e completamente collega il tardo Wagner e il XX secolo è Arnold Schoenberg"..

Neoclassicismo

Il neoclassicismo era uno stile coltivato tra le due guerre mondiali, che cercava di far rivivere le forme equilibrate e i processi tematici chiaramente percettibili dei secoli XVII e XVIII, in un ripudio di quelli che erano visti come gesti esagerati e senza forma del tardo Romanticismo. Poiché questi compositori hanno generalmente sostituito la tonalità funzionale dei loro modelli con tonalità, modalità o atonalità estese, il termine viene spesso usato per sottindere la parodia o la distorsione dello stile barocco o classico.. Esempi famosi sono la Sinfonia classica di Prokof'ev e Pulcinella di Igor Stravinskij. Anche Paul Hindemith (Sinfonia: Mathis der Maler) e Manuel de Falla (El retablo de maese Pedro) hanno usato questo stile. Spesso si vede Le tombeau de Couperin di Maurice Ravel come neo-barocco (termine architettonico), sebbene la distinzione tra i termini non sia sempre fatta.

Composizioni classiche influenzate dal jazz

Un certo numero di compositori ha combinato elementi del linguaggio del jazz con stili compositivi classici, in particolare:

Malcolm Arnold Leonard Bernstein Marc Blitzstein Aaron Copland George Gershwin Darius Milhaud Maurice Ravel John Serry Sr. Dmitri Shostakovich Karlheinz Stockhausen Igor Stravinskij

Movimenti Impressionismo

L'impressionismo è iniziato in Francia, come reazione, contro l'esuberanza emotiva e i temi epici del romanticismo tedesco esemplificati da Wagner. Debussy è ritenuto uno dei maggiori esponenti dell'impressionismo, anche se il termine è limitativo e sarebbe più corretto, nel suo caso, parlare di simbolismo;. per lui l'arte era un'esperienza sensuale, piuttosto che intellettuale o etica. Esortava i suoi compatrioti a riscoprire i maestri francesi del XVIII secolo, per i quali la musica doveva incantare, intrattenere e servire come una "fantasia dei sensi"..

Altri compositori collegati all'impressionismo sono Maurice Ravel, Albert Roussel, Isaac Albéniz, Paul Dukas, Manuel de Falla, Charles Martin Loeffler, Charles Griffes, Frederick Delius, Ottorino Respighi, Cyril Scott and Karol Szymanowski.. Molti compositori francesi continuarono il linguaggio dell'impressionismo negli anni Venti e successivi, tra questi Albert Roussel, Charles Koechlin, André Caplet e, più tardi, Olivier Messiaen. Anche compositori di culture non occidentali, come Tōru Takemitsu, e musicisti jazz come Duke Ellington, Gil Evans, Art Tatum e Cecil Taylor furono fortemente influenzati dal linguaggio musicale impressionista..

Modernismo

Futurismo

Alla sua concezione il Futurismo fu un movimento artistico italiano fondato nel 1909 da Filippo Tommaso Marinetti; fu presto abbracciato dalle avanguardie russe. Nel 1913 il pittore Luigi Russolo pubblicò un manifesto, L'arte dei rumori, chiedendo l'incorporazione di rumori di ogni genere nella musica.. Oltre a Russolo i compositori direttamente collegati a questo movimento sono gli italiani Silvio Mix, Nuccio Fiorda, Franco Casavola e Pannigi (il cui Ballo meccanico del 1922 prevedeva due motociclette), i russi Artur Lourié, Mikhail Matyushin e Nikolai Roslavets.