La musica classica del XXI secolo è la musica colta, nella tradizione classica contemporanea, prodotta dal 2000.
Alcune conquiste linguistiche e grammaticali del secolo precedente sono state mantenute; tra queste: il postmodernismo, il polistilismo e l'eclettismo, che anelano alla congiunzione di vari stili, indipendentemente dal fatto che siano "classici" o meno: questi tentativi hanno condotto a un progressivo abbattimento delle barriere stilistiche. Fra le varie influenze vanno annoverati il rock, il pop, il jazz e le tradizioni di danza associate a questi. La combinazione di musica classica e multimedialità è un'altra pratica rilevante del XXI secolo, insieme a Internet e tecnologie relative. Maggior peso musicale acquisisce la figura della compositrice.
Composizione nel XXI secolo Come la definizione Musica classica del XX secolo, così quella di "Musica classica del XXI secolo" è determinata da una convenzione cronologica e non fa riferimento a stili storicamente codificati, come ad esempio il Barocco e il Romanticismo, bensì a tutta la musica colta prodotta dal 2000 in poi. I musicologi sostengono che si possa parlare di musica contemporanea per tutta la produzione autoriale che inizi dal 1975 Subscription required o dal 1945, a seconda della prospettiva adottata.
Storia Durante il XX secolo i compositori furono influenzati da nuove tecniche di scrittura; così, mentre Debussy subiva il fascino dalla musica di una troupe teatrale vietnamita e dei gamelan giavanese, altri musicisti s'interessavano a musiche di altre culture. Schönberg e la Seconda Scuola viennese svilupparono il sistema dodecafonico, già intuito da Josef Matthias Hauer. Varèse, Stockhausen e Xenakis contribuirono alle ricerche pionieristiche della musica elettronica, mentre il jazz e la musica popolare dell'ovest diventarono sempre più importanti come veri e propri generi a sé stanti. Negli Stati Uniti, eredi della lezione sperimentale di Charles Ives, La Monte Young sperimentò la performance art mentre John Cage applicò lI Ching alla propria musica. Reich e Glass, in opposizione alla musica d'avanguardia europea, contribuirono alla definizione stilistica del minimalismo. Generi e stili si diversificavano sempre più con il progredire del secolo.
Questa tendenza proseguì nel XXI secolo: nel 2009 la BBC Music Magazine chiese a dieci compositori, per lo più anglofonii (John Adams, Julian Anderson, Henri Dutilleux, Brian Ferneyhough, Jonathan Harvey, James MacMillan, Michael Nyman, Roxanna Panufnik, Einojuhani Rautavaara e John Tavener), di discutere le ultime tendenze della musica classica occidentale. L'opinione generale fu che nessuno stile particolare fosse favorito e che l'individualità stilistica avrebbe dovuto essere incoraggiata. Le opere di ciascuno di questi compositori rappresentano aspetti diversi della musica di questo secolo, ma le loro conclusioni teoriche furono unanimi: la differenziazione stilistica in musica non è più categorizzabile o limitabile. Nella sua intervista alla rivista, Dutilleux sostenne che "c'è solo musica buona o cattiva, sia seria che popolare". Come detto, la musica del XXI secolo è in gran parte postmodernista, eppure è ancora difficile incoraggiare il pubblico all'ascolto della musica contemporanea; ciò vale non solo per la musica occidentale ma anche per la musica classica indiana.
Stili musicali e influenza Il postmodernismo continua ad esercitare un'influenza sui compositori nel XXI secolo. Stili sviluppati nel XX secolo, come il minimalismo (Steve Reich, Philip Glass, Michael Nyman), postminimalismo (Louis Andriessen, Gavin Bryars, John McGuire, Pauline Oliveros (morta nel 2016), Julia Wolfe), la Nuova Complessità (James Dillon, Brian Ferneyhough) e la Nuova Semplicità (Wolfgang Rihm) continuano a essere sviluppati.
Il polistilismo e l'eclettismo musicale sono tendenze in crescita nel XXI secolo. Combinano elementi di diversi generi musicali e tecniche compositive, spesso estranee alla cultura propria dei compositori, in un corpo di opere unificato e coerente. I compositori spesso hanno iniziato la loro carriera musicale in una disciplina e in seguito hanno migrato o ne hanno abbracciato altre, pur mantenendo elementi importanti della precedente disciplina. In alcuni casi un compositore ora etichettato come "classico" potrebbe aver iniziato in un'altra disciplina. Ad esempio è difficile da scegliere un'etichetta specifica per la musica di John Zorn: ha iniziato come artista performativo e si è mosso attraverso vari generi tra cui jazz, hardcore punk, musica da film e classica e spesso abbraccia elementi musicali ebraici. Tutti questi stili diversi appaiono nelle sue opere. Julian Anderson combina elementi di molti generi e pratiche musicali diverse nelle sue opere. Elementi di modernismo, musica spettrale e musica elettronica sono combinati con elementi della musica popolare dell'Europa orientale e le opere risultanti sono spesso influenzate dalla modalità dei raga indiani. Il suo grande Book of Hours per 20 strumentisti e live electronics è stato presentato per la prima volta nel 2005. Anche la musica di Tansy Davies fonde elementi di musica pop e classica. Prince e Iannis Xenakis sono entrambe influenze importanti. L'opera di Kati Agócs per coro e orchestra La Debrecen Passion (2015) contorna le ambientazioni poetiche di Szilárd Borbély con testi mistici di origine medievale latina, ungherese e georgiana, oltre a una preghiera cabalistica.
I compositori sono influenzati da tutto il mondo. Per esempio, nel 2002 La Monte Young, insieme a Marian Zazeela e al discepolo più anziano Jung Hee Choi fondarono il Just Alap Raga Ensemble che esegue musica classica indiana della Kirana Gharana e fonde le tradizioni della musica classica occidentale e indonesiana, con l'applicazione da parte di Young del suo approccio compositivo all'esecuzione, alla forma e alla tecnica del raga tradizionale.Young, L., & Zazeela, M. (2015). "The Just Alap Raga Ensemble, Pandit Pran Nath 97th Birthday Memorial Tribute, Three Evening Concerts of Raga Darbari". MELA Foundation, New York.
Anche altri compositori hanno attinto a diverse influenze culturali e religiose. Ad esempio John Tavener (morto nel 2013) trasse ispirazione dal misticismo orientale e dalla musica della Chiesa ortodossa e James MacMillan è influenzato sia dalla musica tradizionale scozzese che dalla sua fede cattolica. In modo più astratto, collegamenti religiosi e mistici si trovano anche nelle opere di Sofia Gubaidulina, un membro devoto della chiesa ortodossa russa. Anche l'influenza della musica elettronica, la numerologia, la strumentazione insolita e le tecniche di improvvisazione sono evidenti. Le canzoni marxiste servono come materiale di base a Konrad Boehmer in molte opere. Roman Turovsky-Savchuk è influenzato dalla sua eredità ucraina e dalla musica barocca. Compone per liuto, orpharion e torban ed è un sostenitore dello storicismo musicale; ha collaborato con Hans Kockelmans e il New York Bandura Ensemble guidato da Julian Kytasty. Tan Dun, più noto per le sue colonne sonore dei film La tigre e il dragone ed Hero, cerca di collegare le culture buddista, cristiana e altre culture nelle sue opere. Le sue opere spesso incorporano elementi audiovisivi.
I compositori trovano ispirazione anche da altre fonti. La musica di John Luther Adams (un ambientalista dell'Alaska senza alcuna relazione con l'altro John Adams discusso in questo articolo) è influenzata dalla natura, specialmente dalla sua nativa Alaska. La sua sinfonia vincitrice del premio Pulitzer Become Ocean è stata ispirata dal cambiamento climatico. Frank's House di Andrew Norman cerca di evocare l'architettura della casa di Frank Gehry a Santa Monica.
Péter Eötvös impiega una varietà di timbri e mondi sonori nella sua musica. Tecniche estese come gli archeggi di sovrappressione coesistono con canzoni folk liriche e suoni sintetizzati.
I compositori hanno persino creato mash-up, che si trovano più comunemente nella musica pop. The Enchanted Island di Jeremy Sams ne è un esempio: trae ispirazione da Händel, Vivaldi, Rameau e altri compositori barocchi per creare una combinazione di pasticcio e collage musicale che combina anche il barocco e il moderno nella sua messa in scena e costume. Secondo A History of Western Music, "mette in discussione idee di autorialità e originalità, facendone un lavoro completamente postmoderno".
La musica di Osvaldo Golijov spesso combina le tradizioni classiche, moderne e popolari in un unico lavoro, sovrapponendo stili contrastanti, una tendenza importante nella musica degli anni '60 in poi.
Opera John Adams, George Benjamin, Osvaldo Golijov, Cristóbal Halffter, James MacMillan, Einojuhani Rautavaara (morto nel 2016), Cristóbal Halffter, Kaija Saariaho, Karlheinz Stockhausen (morto nel 2007) e Judith Weir hanno dato tutti un contributo importante in questo campo:
Licht, il ciclo di sette opere di Stockhausen, iniziato nel 1977, fu completato nel 2003 con l'opera Sonntag aus Licht. L'opera di Judit Weir, Armida, fu trasmessa in prima visione alla televisione, invece che sul palcoscenico. Channel 4 aveva commissionato l'opera nel 2005. Il libretto, anch'esso scritto dalla Weir, prende spunto dal poema epico del 1581 di Torquato Tasso, Gerusalemme liberata, ambientandolo in un moderno conflitto mediorientale che allude ma non menziona mai specificamente la guerra in Iraq. L'opera della Weir richiede materiali di scena che non possono essere usati praticamente in un teatro d'opera, come un elicottero. Doctor Atomic di Adams (che tratta di Robert Oppenheimer, il Progetto Manhattan e la costruzione della prima bomba atomica). L'aria di Oppenheimer Batter my heart mescola tecniche post-minimaliste con una linea vocale espressiva che richiama l'opera del XIX secolo. Nell'ottobre del 2008, poco prima della prima, Adams dichiarò alla BBC Radio 3 di essere stato inserito nella lista nera del dipartimento di sicurezza nazionale e dei servizi di immigrazione, probabilmente a causa delle polemiche relative alla sua opera del 1991 The Death of Klinghoffer, basata sul dirottamento del transatlantico Achille Lauro dal Fronte di liberazione della Palestina nel 1985 e l'omicidio dei dirottatori del sessantanovenne ebreo-americano Leon Klinghoffer, costretto su una sedia a rotelle. L'Amour de loin di Saariaho usa il suo stile orchestrale influenzato dagli spettralisti per raccontare la storia del trovatore del XII secolo Jaufré Rudel. Nell'ultimo quadro dell'Atto IV, la tecnica modernista di cellule basate su matrici di semitoni e tritoni all'interno di quinte perfette viene applicata al materiale melodico, mentre le canzoni dei trovatori sono evocate nei modelli di frasi ripetute e lo stile melodico delle frasi brevi incentrate su alcuni toni. Così le idee musicali del XII e del XX secolo si fondono in un modo unico. Il compositore spagnolo Halffter scrisse la sua seconda e terza opera, Lazarus (2008) e Schachnovelle (2013), entrambe per la Kiel Opera House. Ainadamar di Golijov, vincitrice del Grammy Award (2005) parla dell'omicidio del poeta spagnolo Federico García Lorca compiuto nel 1936 dai fascisti. La colonna sonora combina musica per computer, musica concreta e dissonanza modernista con elementi della musica flamenca, della musica popolare latinoamericana e dei ritmi cubani. Written on Skin di Benjamin, The Sacrifice di MacMillan e Rasputin di Rautavaara sono altri lavori rappresentativi.
L'opera da camera è un tipo importante di opera sviluppata a metà del XX secolo. Usa forze più piccole rispetto ad un'opera normale. Esempi del XXI secolo sono Pauline di Tobin Stokes (libretto di Margaret Atwood), The Corridor di Harrison Birtwistle, El Caballero de la triste figura di Tomás Marco e The Sound of a Voice di Philip Glass.