La musica del XX secolo comprende opere, compositori e gruppi che hanno creato e distribuito canzoni e pezzi musicali nel corso del novecento. A differenza dei periodi precedenti, vale la pena menzionare l'emergere della musica popolare, che diventa il genere dominante man mano che il secolo progredisce, coesistendo con la musica classica del XX secolo. Le due correnti sono influenzate dalle trasformazioni tecnologiche e sociali del tempo: la musica non è solo consumata dal vivo, ai concerti, ma può essere ascoltata diversamente con dispositivi per uso personale e pubblico. Aumenta l'uso della musica come complemento di altre arti e la musica gioca un ruolo importante nel cinema o nella pubblicità.
Per quanto riguarda gli strumenti utilizzati, spiccano tre grandi gruppi: da un lato, gli strumenti a fiato metallici, come le trombe e i sassofoni del jazz e dei derivati. D'altra parte la chitarra e la batteria, tipiche del rock e dei suoi stili correlati e infine il sintetizzatore come esponente della musica elettronica. La voce umana e la tastiera (o il pianoforte) appaiono nei tre gruppi come complemento.
Contesto e storia Durante il XX secolo ci fu un enorme aumento della varietà di musica a cui le persone avevano accesso. Prima dell'invenzione dei dischi di grammofono per il mercato di massa (sviluppati nel 1892) e della radiodiffusione (realizzata commercialmente per la prima volta intorno al 1919-20), la gente ascoltava principalmente musica o nei concerti di musica classica dal vivo o negli spettacoli teatrali musicali, che erano troppo costosi per molte persone con poche possibilità, o sui primi fonografi (una tecnologia inventata nel 1877 che non fu commercializzata in serie fino alla metà del 1890), oppure dal vivo, a casa, grazie a persone che eseguivano musica o cantavano canzoni su base amatoriale, usando spartiti, cosa che ovviamente richiede la capacità di cantare, suonare e leggere musica. Si trattava di competenze che tendevano ad essere limitate alle persone del ceto medio e delle classi agiate. Con la disponibilità sul mercato di massa di dischi e trasmissioni radiofoniche, gli ascoltatori potevano acquistare registrazioni o ascoltare alla radio registrazioni o trasmissioni in diretta di un'enorme varietà di canzoni e brani musicali da tutto il mondo. Ciò permise a una gamma molto più ampia di persone di ascoltare le esecuzioni di sinfonie e opere di musica classica che non avrebbero potuto ascoltare dal vivo, sia perché non potevano permettersi i biglietti per i concerti dal vivo o perché tale musica non veniva eseguita nella loro regione.
La registrazione sonora esercitò anche una grande influenza sullo sviluppo dei generi musicali popolari, perché permise di registrare canzoni e gruppi musicali a basso costo e largamente distribuiti a livello nazionale o addirittura, per alcuni artisti, in tutto il mondo. Lo sviluppo di una riproduzione di musica, relativamente economica, attraverso una successione di formati, tra cui long playing, musicassette, compact disc (introdotti nel 1983) e, a metà degli anni '90, le registrazioni audio digitali e la trasmissione di registrazioni audio di spettacoli musicali tramite la radio, o di videoregistrazioni o esibizioni dal vivo in televisione e, negli anni '90, di registrazioni audio e video via Internet, utilizzando la condivisione di file di registrazioni audio digitali, ha consentito a persone appartenenti a una vasta gamma di classi socioeconomiche di accedere a una selezione diversificata di spettacoli musicali di qualità di artisti di tutto il mondo. L'introduzione della registrazione multitraccia nel 1955 e l'uso del mixaggio hanno avuto una grande influenza sulla musica pop e rock, perché ha permesso ai produttori musicali di mixare e sovraincidere molti livelli di tracce strumentali e voci, creando nuovi suoni che non sarebbero possibili in una esecuzione dal vivo.Watson, Allan. Cultural Production in and Beyond the Recording Studio. Routledge, 2014. (La registrazione e il missaggio multitraccia hanno reso la registrazione "... in studio uno strumento di composizione musicale" in cui i produttori potevano "... creare una realtà che non poteva esistere" in un'esibizione dal vivo. p. 25) Lo sviluppo delle tecnologie di registrazione del suono, dell'ingegneria del suono e in più la possibilità di modificare queste registrazioni hanno dato origine a nuovi sottogeneri di musica classica, tra cui le scuole di composizione elettronica musica concreta (1949) e acustiche (1955).Schaeffer, P. (1966), Traité des objets musicaux, Le Seuil, Paris. Negli anni '70 i musicisti afroamericani hip hop iniziarono ad usare i giradischi come uno strumento musicale, creando effetti "graffianti" ritmici e percussivi manipolando un disco in vinile sul giradischi.
Ai tempi di Beethoven e di Felix Mendelssohn nel XIX secolo, l'orchestra era composta da un nucleo di strumenti abbastanza standard, che molto raramente veniva modificato. Col passare del tempo e con il periodo romantico che vide dei cambiamenti nelle modifiche accettate da compositori come Berlioz e Mahler, il XX secolo vide che la strumentazione poteva essere praticamente scelta personalmente dal compositore. I sassofoni furono utilizzati in alcune partiture orchestrali del XX secolo come le Sinfonie n. 6 e 9 di Vaughan Williams e la Belshazzar's Feast di William Walton, e molte altre opere come strumento del complesso orchestrale. Le orchestre del Novecento includono generalmente una sezione di archi, legni, ottoni, percussioni, piano, celesta, arpa, con altri strumenti inseriti occasionalmente, come chitarra elettricaLagnella, David. The Composer's Guide to the Electric Guitar. Mel Bay Publications, 2003. (Gli ex compositori Tim Brady, Steve Mackey, Rhys Chatham, René Lussie, Glenn Branca, Scott Johnson ed Eliot Sharp hanno usato la chitarra elettrica nelle loro opere da camera e orchestrali, p. 5) e basso elettrico.Walker-Hall, Helen. Music by Black Women Composers: A Bibliography of Available Scores. Center for Black Music Research, 1995. (La ex compositrice Margaret Harris-Schofield scrisse il "Concerto per pianoforte n. 2" nel 1971, musicato per il pianoforte solista, orchestra, basso elettrico e batteria. p. 35)
Il XX secolo ha visto innovazioni straordinarie nelle forme e negli stili musicali. Compositori e cantautori esplorarono nuove forme e suoni che sfidarono le regole della musica precedentemente accettate dei periodi precedenti, come l'uso di accordi alterati e accordi estesi nel Bebop jazz degli anni '40. Lo sviluppo di potenti amplificatori per chitarra e sistemi di amplificazione sonora negli anni '60 e '70 permise alle band di tenere grandi concerti dove anche quelli con i biglietti meno costosi potevano ascoltare lo spettacolo. I compositori e i cantautori sperimentarono nuovi stili musicali, come fusioni di genere (ad esempio, la fusione tra fine del 1960 di musica jazz e rock per creare la jazz fusion). Inoltre compositori e musicisti utilizzarono nuovi strumenti elettrici, elettronici e digitali e dispositivi musicali. Negli anni '80 alcuni generi musicali, come i generi di musica dance elettronica come la house music, venivano creati in gran parte con sintetizzatori e drum machine. Modi di trasporto più veloci come il volo aereo hanno permesso a musicisti e fan di viaggiare di più per esibirsi o ascoltare gli spettacoli, aumentando la diffusione degli stili musicali.
Musica classica
La musica classica del XX secolo descrive la musica colta scritta teoricamente dal 1901 al 2000. Questo secolo non aveva uno stile dominante e i compositori hanno creato generi musicali molto diversi. Modernismo, impressionismo e post-romanticismo possono essere fatti risalire a decenni prima dell'inizio del secolo, ma possono essere inclusi perché si sono evoluti oltre i confini musicali degli stili ottocenteschi che facevano parte del precedente periodo di pratica comune. Il neoclassicismo e l'espressionismo arrivarono per lo più dopo il 1900. Il minimalismo iniziò molto più tardi nel secolo e può essere visto come un cambiamento dall'era moderna a quella postmoderna, anche se alcuni datano il postmodernismo a partire dal 1930 circa. Atonalità, serialismo, musica concreta e musica elettronica sono stati tutti sviluppati durante questo secolo. Il jazz e la musica folk hanno influenzato in modo importante molti compositori in questo periodo.
Modernismo
All'inizio del XX secolo molti compositori, tra cui Rachmaninov, Richard Strauss, Giacomo Puccini ed Edward Elgar, continuarono a lavorare nelle forme e nel linguaggio musicale derivato dal XIX secolo. Tuttavia, il modernismo nella musica divenne sempre più prominente ed importante; tra i modernisti più importanti c'erano Alexander Scriabin, Claude Debussy e i compositori post wagneriani come Gustav Mahler e Richard Strauss, che sperimentarono forme, tonalità e orchestrazione.Botstein 2001. Busoni, Stravinsky, Schoenberg e Schreker erano già stati riconosciuti prima del 1914 come modernisti e anche Ives fu retrospettivamente incluso in questa categoria per le sue sfide agli usi della tonalità. Compositori come Ravel, Milhaud e Gershwin combinarono espressioni classiche e jazz.
Nazionalismo
Il nazionalismo tardo-romantico e modernista è stato trovato anche nella musica britannica, americana e latino-americana degli inizi del XX secolo. Compositori come Ralph Vaughan Williams, Aaron Copland, Alberto Ginastera, Carlos Chávez, Silvestre Revueltas e Heitor Villa-Lobos hanno usato temi popolari raccolti da loro stessi o da altri in molte delle loro principali composizioni.
Musica microtonale
Nei primi decenni del XX secolo, compositori come Julián Carrillo, Mildred Couper, Alois Hába, Charles Ives, Erwin Schulhoff, Ivan Wyschnegradsky rivolsero la loro attenzione ai quarti di tono (24 intervalli uguali per ottava) e altre divisioni più sottili. A metà del secolo compositori come Harry Partch e Ben Johnston esplorarono solo l'intonazione. Nella seconda metà del secolo tra i compositori di spicco che utilizzavano la microtonalità figuravano Easley Blackwood Jr., Wendy Carlos, Adriaan Fokker, Terry Riley, Ezra Sims, Karlheinz Stockhausen, La Monte Young e Iannis Xenakis.
Neoclassicismo
Una tendenza dominante nella musica composta dal 1923 al 1950 fu il neoclassicismo, una reazione contro i gesti esagerati e l'assenza di forma del tardo Romanticismo che rianimò le forme equilibrate e i processi tematici chiaramente percepibili degli stili precedenti. C'erano tre "scuole" distinte di neoclassicismo associabili a Igor' Stravinskij, Paul Hindemith e Arnold Schönberg. Simili simpatie nella seconda metà del secolo sono generalmente elencate sotto il titolo postmodernismoWhittall 2001.
Musica sperimentale
A metà del XX secolo, in particolare nel Nord America, sorse una tradizione compositiva, chiamata "musica sperimentale". Il suo esponente più famoso e influente fu John Cage (1912-1992).Grant 2003, 174 Secondo Cage, "un'azione sperimentale è un'azione il cui esito non è previsto"Cage 1961, 39 ed era specificamente interessato a lavori completi che svolgevano un'azione imprevedibile.Mauceri 1997, 197. Alcuni dei compositori che influenzarono John Cage furono Erik Satie (1866-1925), Arnold Schönberg (1874-1951) e Henry Dixon Cowell (1897-1965).
Minimalismo
La musica minimalista, che comporta una semplificazione dei materiali e un'intensa ripetizione di motivi, iniziò alla fine degli anni '50 con i compositori Terry Riley, Steve Reich e Philip Glass. Successivamente il minimalismo fu adattato a un ambiente sinfonico più tradizionale da compositori come Reich, Glass e John Adams. Il minimalismo fu molto praticato durante la seconda metà del secolo e passò anche nel XXI secolo, così come compositori come Arvo Pärt, Henryk Górecki e John Tavener che lavorano nelle varianti del sacro minimalismo.
Musica classica contemporanea