La pittura su pelle di animali delle Pianure è una pratica artistica tradizionale degli Indiani delle Pianure nordamericani, che consiste nel dipingere su pelli conciate o grezze. Tipì, fodere per tipì, scudi, parfleche, abiti, tamburi e conteggi invernali venivano dipinti e decorati.
Generi Lo storico dell'arte Joyce Szabo scrive che gli artisti delle Pianure erano interessati "alla composizione, all'equilibrio, alla simmetria e alla varietà". I disegni possono essere simili a quelli trovati nell'arte rupestre precedente e nei successivi lavori con piume, decorazione con aculei di porcospino (quillwork) e perline. Occasionalmente venivano utilizzati anche aculei di piume di uccello.
Pittura geometrica Le donne delle Pianure tradizionalmente dipingevano disegni astratti e geometrici. Si preferivano colori vivaci e le aree venivano riempite con campi di colore pieni. Il tratteggio incrociato era utilizzata solo quando la vernice scarseggiava. Lo spazio negativo (lo spazio vuoto attorno e tra i soggetti di un'immagine) era importante per far emergere forme e lineamenti. I punti venivano utilizzati per suddividere ampie aree di colore e servivano come elemento decorativo e compositivo.
Il "Sole piumato" è un motivo ricorrente di piume stilizzate in diversi cerchi concentrici. Collega visivamente un copricapo di piume al sole.
Le vesti fatte di pelle di bufalo e le parfleche erano spesso dipinte con motivi geometrici.
Parfleche
Le parfleche sono involucri di pelle grezza usati per trasportare e conservare merci, incluso il cibo. Si pensa che i disegni dipinti su di esse siano mappe stilizzate con rappresentazioni di fiumi o montagne.
Le parfleche a forma di busta sono state storicamente utilizzate per contenere oggetti come utensili domestici o alimenti, come carne secca o pemmican. Venivano comunemente realizzate a due a due e appese alle selle. Nell'uso contemporaneo, possono avere un significato sociale, spirituale e simbolico, o far parte delle regalie di danza o di parata.
Le parfleche a forma di borse sono solitamente decorate con uno stile artistico distintivo. Storicamente le donne erano le principali creatrici di parfleches, prima dipingendo pelli grezze allungate, poi modellandole nella loro forma finale. Dal 21° secolo, sia le donne che gli uomini le realizzano.
La mobilità tra la "cultura equina" degli indiani delle Pianure (la cui vita quotidiana ruotava attorno all'allevamento e alla pastorizia di cavalli) e i coloni richiedeva che beni essenziali come cibi conservati (incluso il pemmican), vestiti, medicine e oggetti cerimoniali fossero trasportati in modo efficiente in imballaggi leggeri e resistenti alle intemperie. Mentre la forma più comune delle parfleche consisteva in una busta piegata o una borsa piatta, venivano anche costruite a forma di custodie piatte allacciate, cilindri e bauli.
La produzione di parfleche a forma di buste diminuì drasticamente quando i mercenari assoldati dal governo federale degli Stati Uniti massacrarono le mandrie di bufali fino all'orlo dell'estinzione. Il governo federale costrinse i popoli indigeni a trasferirsi in riserve divise dal governo. Alcuni coloni collezionavano parfleche per hobby. Alcune tribù, in particolare i Nasi Forati, furono in grado di continuare a cacciare e produrre parfleche per tutto il XX secolo. I popoli Niisìtapi e Lakota continuano a produrre parfleche in epoca moderna.
Quillwork La lavorazione (o decorazione) con aculei di porcospino (quillwork) è una forma d'arte unica del Nord America. Prima dell'introduzione delle perle di vetro, la lavorazione con aculei era un importante elemento decorativo utilizzato dai popoli che risiedevano nell'habitat naturale del porcospino, che includevano i popoli indigeni del Subartico, delle Woodlands nord-orientali e delle Pianure Settentrionali. L'uso di aculei nei disegni si estende dal Maine all'Alaska. Strumenti per la lavorazione con aculei sono stati scoperti in Alberta e risalgono al VI secolo d.C.
Gli Ojibwe del fiume Rosso del Manitoba crearono nel XIX secolo motivi nitidi e geometrici intrecciando aculei su un telaio.
Storicamente, in molte culture indigene del Nord America la lavorazione con gli aculei di porcospino era spesso svolto dalle donne, soprattutto per decorare abiti, borse, cinture e oggetti cerimoniali.
La lavorazione quillwork non si è mai estinta nelle Pianure Settentrionali. Alcune comunità che avevano perso la loro tradizione sono riuscite a far rivivere questa forma d'arte. Ad esempio, nessuna donna lavorava con questa tecnica nella comunità Dene di Whatì, nei Territori del Nord-Ovest, alla fine degli anni '90. Il Dene Cultural Institute ha tenuto due workshop in quei territori nel 1999 e nel 2000, facendo rivivere di fatto la lavorazione quillwork a Whatì comprendendo anche le donne.
Pittura figurativa
Tradizionalmente, gli uomini dipingevano arte figurativa, soprattutto esseri viventi, usando un sistema di segni pittografici, caratterizzati da bidimensionalità, facilmente riconoscibili dagli altri membri della loro tribù. Questa tecnica pittorica poteva essere usata per qualsiasi cosa, dalle indicazioni geografiche, alle mappe alle lettere d'amore. Le immagini erano semplificate e gli sfondi erano minimi per far risaltare i soggetti. La pittura figurativa rientrava tipicamente in due categorie: resoconti araldici o calendari.
Dipinto araldico Gli uomini rappresentavano le loro imprese di battaglia e di caccia su tepee, vesti e persino camicie. Le figure rappresentate erano sparse sulla pelle di bufalo usata come superficie e le immagini semitrasparenti a volte si sovrapponevano. Le pelli dipinte venivano spesso lette da destra a sinistra, con il protagonista che emergeva da destra. Gli alleati erano dipinti sulla destra con i nemici sulla sinistra. Uomini e cavalli erano soggetti comuni e altri motivi popolari includevano impronte di zoccoli e glifi che rappresentavano nomi, proiettili e frecce.
Le pelli dipinte commemorano anche eventi storici, come la firma di trattati.
Dopo il 1850, la pittura su pelle divenne più complessa con linee più sottili e dettagli aggiuntivi. Le tecnologie introdotte influenzarono i soggetti raffigurati nella pittura su pelle; ad esempio un tepee Omaha del XIX secolo raffigurava battelli a vapore.
Calendari
I calendari tradizionali delle Pianure sono chiamati conteggi invernali (o degli inverni) perché nella maggior parte delle tribù delle Pianure presentano un singolo pittogramma che definisce l'intero anno. Prima di utilizzare il calendario gregoriano, il popolo Lakota contava gli anni da un evento naturale ricorrente all’altro, ossia l’inizio dell’anno era segnato dalla prima grande nevicata e la fine dell’anno arrivava con la prima neve dell’anno successivo.
I Kiowa erano gli unici che sceglievano due soggetti all'anno: uno per l'inverno e uno che rappresentava la Danza del Sole estiva.
Fino alla metà del XIX secolo i conteggi invernali venivano raffigurati su pelle di bufalo.
Verso la fine del XIX secolo, quando i bufali divennero rari, i conteggi invernali venivano dipinti su carta, tela e mussola, materiali prima a loro sconosciuti forniti dai coloni. I pittogrammi annuali potevano essere disposti in uno schema lineare, a spirale o a serpentina.
Pittura visionaria Visioni e sogni (anche forniti dagli stregoni) potevano ispirare i disegni. Le pelli di daino dipinte fungevano anche da coperture per scudi circolari fatti in cuoio grezzo. Tali coperture sono ispirate alle visioni degli uomini e possono includere dipinti di umani, animali o esseri spirituali, che riflettono i poteri del proprietario e forniscono (secondo le credenze indiane) protezione. Agli uomini Cheyenne che ricevevano le visioni era permesso realizzare quattro scudi disegnati. Tra i Kiowa e i Kiowa-Apache esistevano circa 50 possibili versioni di scudi.
I tepee potevano essere dipinti con disegni visionari. Il disegno e il potere ad esso correlato appartenevano al proprietario del tepee, e potevano essere trasferiti tramite eredità, matrimonio o, in alcune tribù come i Piedi Neri, vendita.
I seguaci della religione della danza degli spiriti dipingevano disegni visionari sui loro vestiti. Le camicie indossate durante la danza degli spiriti dagli Arapaho e dai Lakota erano dipinte con soggetti come corvi, gazze, tartarughe e alberi di cedro.
Processo e materiali Le pelli di bufalo, così come quelle di cervo, alce e altri animali, vengono dipinte. Abiti e tuniche sono spesso conciati al cuoio per renderli morbidi ed elastici. Le parfleche, gli scudi e le suole dei mocassini sono in cuoio grezzo per aumentarne la resistenza.
In passato, gli artisti delle Pianure usavano uno stilo in osso o legno per dipingere con pigmenti minerali e vegetali naturali. Sezioni di costole di bufalo potevano essere macinate per utilizzare il midollo, che era assorbente e funzionava come un pennarello a inchiostro contemporaneo. Le gemme di pioppo nero americano fornivano il pigmento marrone. Gli artisti Lakota erano soliti bruciare l'argilla gialla (Illite) per produrre la vernice rossa usata per le cerimonie. I Lakota associavano i pigmenti blu alle donne a livello simbolico e spirituale.
In passato, tutti i membri di una tribù potevano dipingere, ma individui altamente qualificati potevano essere incaricati da altri di creare opere d'arte. Prima del XX secolo, quando un uomo Kiowa aveva bisogno di ridipingere la sua tenda, invitava 20-30 amici a dipingere l'intero tipì in un solo giorno. Poi invitava tutti a una festa.
Artisti noti
Storici Esistono artisti noti, anche se è importante ricordare che questa arte nasce in contesti comunitari e tradizionali, quindi molti autori non firmavano le opere come si fa nell’arte occidentale. Tuttavia alcuni nomi sono diventati famosi, soprattutto nel XIX secolo:
Falco Nero (Sans Arc Lakota).. È uno dei più celebri. Nel 1880 realizzò un ledger book (disegni su carta, eredi della pittura su pelle) con scene di battaglie, vita quotidiana e cerimonie. Le sue opere sono oggi in musei che fanno parte della Smithsonian Institution. Uccello Bianco (Cheyenne). Conosciuto per dipinti e disegni che raccontano imprese guerriere e tradizioni della sua gente. Making Medicine (Cheyenne). Artista-guerriero noto per rappresentazioni di battaglie e visioni spirituali. Nel 1985 fu il primo nativo americano anglicano a essere proclamato santo dalla Chiesa episcopale.
Contemporanei Ci sono artisti nativi contemporanei che riprendono la pittura su pelli delle Pianure usando tecniche e materiali moderni, mantenendo però il legame con la tradizione. Oggi alcuni artisti dipingono su tela, carta speciale o pelli trattate modernamente, usano acrilici, spray, stampa digitale e combinano arte tradizionale e street art o graphic design.
Arthur Amiotte (Lakota). Mescola lo stile narrativo tradizionale con acrilici, collage e pittura su tela. Racconta storie storiche e personali usando un linguaggio visivo antico ma contemporaneo. Dwayne Wilcox (Oglala Lakota). Usa colori acrilici e supporti moderni. Le sue opere ricordano la pittura su pelle per composizione, simboli e narrazione. Terrance Guardipee (Piedi Neri). Riprende motivi tradizionali delle Pianure. Lavora sia con tecniche tradizionali sia con media moderni per raccontare storie native oggi. Dana Claxton (Hunkpapa Lakota). Usa fotografia, video e installazioni. Trasforma simboli e temi delle Pianure in arte contemporanea e multimediale.
Forme d'arte correlate Molte tribù del Nord America, oltre a quelle delle Pianure, dipingevano anche le pelli, seguendo diverse tradizioni estetiche. Le tribù subartiche sono note per le loro pelli di caribù dipinte.
Nelle pianure, quando le mandrie di bufali venivano massacrate alla fine del XIX secolo, divennero disponibili altre superfici per la pittura, come mussola, carta e tela, dando vita alla Ledger art.